sábado, 14 de abril de 2012

Kubla Khan

Por Samuel Taylor Coleridge

En Xanadú, Kubla Khan
mandó que levantaran su cúpula señera:
allí donde discurre Alfa, el río sagrado,
por cavernas que nunca ha sondeado el hombre,
hacia una mar que el sol no alcanza nunca.
Dos veces cinco millas de tierra muy feraz
ciñeron de altas torres y murallas:
y había allí jardines con brillo de arroyuelos,
donde, abundoso, el árbol de incienso florecía,
y bosques viejos como las colinas
cercando los rincones de verde soleado.
¡Oh sima de misterio, que se abría
bajo la verde loma, cruzando entre los cedros!
Era un lugar salvaje, tan sacro y hechizado
como el que frecuentara, bajo menguante luna,
una mujer, gimiendo de amor por un espíritu.
Y del abismo hirviente y con fragores
sin fin, cual si la tierra jadeara,
hízose que brotara un agua caudalosa,
entre cuyo manar veloz e intermitente
se enlazaban fragmentos enormes, a manera
de granizo o de mieses que el trillador separa:
y en medio de las rocas danzantes, para siempre,
lanzóse el sacro río.
Cinco millas de sierpe, como en un laberinto,
siguió el sagrado río por valles y collados,
hacia aquellas cavernas que no ha medido el hombre,
y hundióse con fragor en una mar sin vida:
y en medio del estruendo, oyó Kubla, lejanas,
las voces de otros tiempos, augurio de la guerra.
La sombra de la cúpula deliciosa flotaba
encima de las ondas,
y allí se oía aquel rumor mezclado
del agua y las cavernas.
¡Oh, singular, maravillosa fábrica:
sobre heladas cavernas la cúpula de sol!
Un día, en mis ensueños,
una joven con un salterio aparecía
llegaba de Abisinia esa doncella
y pulsaba el salterio;
cantando las montañas de Aboré.
Si revivir lograra en mis entrañas
su música y su canto,
tal fuera mi delicia,
que con la melodía potente y sostenida
alzaría en el aire aquella cúpula,
la cúpula de sol y las cuevas de hielo.
Y cuantos me escucharan las verían
y todos clamarían: «¡Deteneos!
¡Ved sus ojos de llama y su cabello loco!
Tres círculos trazad en torno suyo
y los ojos cerrad con miedo sacro,
pues se nutrió con néctar de las flores
y la leche probó del Paraíso».

Versión de Màrie Montand


"Kubla Khan" es un poema de Samuel Taylor Coleridge terminado en 1797 y publicado en “Cristabel”, Kubla Khan, y Los dolores del sueño" en 1816.
Según el prefacio de Coleridge, el poema fue concebido en un sueño, bajo la influencia del opio y después de leer una biografía del Gran Kan del Imperio mongol Kublai Khan. Al despertar, empezó a escribir los 300 versos soñados hasta que fue interrumpido por un visitante de Porlock[1]. Una hora después el visitante finalmente se marchó pero Coleridge solo llego a escribir unos últimos versos antes de olvidar las líneas restantes. Sea o no cierto, lo más probable es que el poema, «cincuenta y tantos versos rimados e irregulares, de prosodia exquisita» como lo definió Jorge Luis Borges en su ensayo El sueño de Coleridge, fuera compuesto durante el otoño de 1797, pero permaneció inédito hasta 1816 cuando, gracias a George Gordon Byron, fue puesto a disposición del público.
Considerado una de las principales expresiones del romanticismo, el poema es diferente en estilo y forma a otros poemas compuestos por Coleridge. Si bien Kubla Khan se subtitula un "fragmento", carece de los aspectos fragmentarios de otros poemas de Coleridge. En su lugar, su carácter incompleto representa los aspectos del proceso creativo a través de su forma y su mensaje.
La primera estrofa del poema describe la cúpula de placer construida por Khan en su capital Xanadú junto a un río sagrado, el Alfeo, que alimentaba una magnífica fuente y corre «a través de cavernas inmensurables para el hombre, hacia abajo, hacia un mar sin sol».[2] La segunda estrofa del poema es la respuesta del narrador a la embriagadora canción de una doncella de Abisinia, que lo deja incapaz de seguir su inspiración a menos que pudiera oírla una vez más.
El palacio «un milagro de raro diseño, una soleada mansión de placer con cuevas de hielo» está encerrado por murallas circulares: la imagen de círculo —que denota perfección— se repite a lo largo del poema, que es en el fondo una glorificación de la creación natural en contraste con la creación humana.
La crítica moderna, con algunas excepciones, ven en Kubla Khan uno de los tres grandes poemas de Coleridge, junto a La balada del viejo marinero y Christabel. Algunos críticos argumentan que es único en la poesía de lengua inglesa y uno de sus más grandes poemas, pero otros afirman que está sobrestimado. No es el caso de los contemporáneos de Coleridge, que en su mayoría denunciaron el poema tras su publicación o cuestionaron las declaraciones de Coleridge acerca de su origen, pero Kubla Khan fue publicado originalmente debido a que muchos de sus amigos consideraron, tras serles leído por su autor, que el poema era maravilloso. No fue hasta años más tarde que los críticos comenzaron a admirarlo abiertamente.

Fonte: Wikipédia


quinta-feira, 12 de abril de 2012

Urondo... de la guerra y del amor!


el paco urondo é um poetazo de estos latinoamericanos revolucionários e con a palavra justa e a vida breve e boa.......ah...como amo a este companheiro, um jeito de escrever único, somente que se nos foi, morreu defendendo as utopias....enfrentando os exércitos servis ao imperialismo.....deixo aqui, uma breve história de sua vida, e com ela, vai minha homenagem a este poeta maravilhoso, a este militante, jornalista e revolucionário.......
lucidor

No ha sido muy difundido, lamentablemente, que Paco nació en Santa Fe el 10 de Enero de 1930. Fue poeta, periodista, académico y militante, dio su vida luchando por el ideal de una sociedad más justa. Fue un poeta excelente, exquisito, de aquellos que dejan siempre una impronta en lo que escriben.
En euskera, lengua vasca y raíz de su apellido, la palabra ur - ondo significa agua buena. Paradoja de la ciudad de Santa Fe, ciudad rodeada de agua, que se olvidó de recordar a su hijo, a Paco Urondo, a Paco del agua buena.
Paco fue padre de tres hijos, Claudia y Javier, santafesinos e hijos de su unión con Graciela "Chela" Murua, y nacidos el 14 de Abril de 1953, y el 27 de Noviembre de 1957, respectivamente.
Angela, su tercer hija es fruto de su unión con su compañera asesinada junto a él en Guaymallen, Mendoza, el 17 de Junio de 1976, Alicia Raboy. Angela nació el 30 de Junio de 1975, y Paco no pudo darle su apellido por ser, ya a esa altura, un perseguido político clandestino, pero la reconocería como su legítima hija en su testamento.
Claudia seria desaparecida con su compañero y padre de su hijo, Mario Koncurat, a fines de 1976, poco tiempo después de que Urondo fuese asesinado. Javier y Angela mantienen viva la memoria de su padre con honestidad y dignidad.
Paco fue convocado para ocupar la Dirección de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional del Litoral, con solo 27 años, en 1957. Producto de esa gestión, de gran reconocimiento, sería designado como el primer Director Provincial de Cultura, siendo gobernador de Santa Fe, el doctor Carlos Sylvestre Begnis, el 16 de Junio de 1958.
Un año después, cansado de las actitudes intolerantes hacia su gestión, y cuando el gobierno nacional de Arturo Frondizi deja de lado las promesas electorales y se convierte en rehén de las Fuerzas Armadas, renuncia a su cargo.
En la época de Urondo, la ciudad de Santa Fe tenía un brillo cultural enorme: en ese entonces, los hermanos Maraño y Washington Castro en la Escuela Superior de Música ofrecían conciertos populares gratis, junto a Carlos Guastavino, y Ariel Ramírez.
El "Cocho" José María Paolantonio con gran sacrificio ponía en escena "La Cantante Calva" de Ionesco. Fernando Birri hacía sus primeras experiencias fílmicas en la Escuela de Cinematografía de la Universidad Nacional del Litoral (U.N.L.), y sentaba las bases del movimiento de cine documental junto a Nicolás Sarquis, Gerardo Vallejo, Jorge Goldemberg y Adelqui Camusso, luego de la brillante experiencia cultural de "El Retablo de Maese Pedro", propuesta cultural multidiscliplinaria encabezada por Fernando Birri, donde Paco Urondo, a principios de los cincuenta había sido titiritero junto a su primera esposa, entonces novia "Chela" Murua. En literatura estaban Juan José Saer, Hugo Gola, Hugo Mandón. En plástica, el Grupo Litoral marcaba tendencia.
En esa época surge la inolvidable TIRE DIE, cortometraje testimonial, que mostraba el cruce del tren proveniente de Buenos Aires por un puente angosto sobre el Río Salado y la miseria de los chicos del barrio El Triángulo que, seguían ó trepaban el tren y por diez centavos –que tiraban los pasajeros– se arrojaban al agua con una zambullida a veces impecable, y otras no tanto para recuperar las monedas lanzadas.
Mucho tiempo después, en Junio de 1973, luego de haber sido un preso político, y con Héctor Campora al Frente de la Presidencia, y Rodolfo Puiggros al frente de la Universidad de Buenos Aires, Paco Urondo es designado Director del Departamento de Letras de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA. Renunciaría el 1 de Octubre de 1973, en solidaridad con la renuncia del rector Puigross, cuestionado fuertemente por la derecha universitaria. La primavera camporista empezaba a marchitarse. Un mes después asumiría la jefatura del recién creado Diario NOTICIAS.
Quien esto escribe tuvo la satisfacción de salir de la cárcel de Devoto, aquel glorioso 25 de Mayo de 1973, junto a Paco Urondo, quien prometía beberse íntegra una botella de Pont Leveque, como alguna vez lo habíaos hecho junto a Jorge Conti y otros intelectuales santafesinos.
Meses después, en noviembre de 1973 el Paco periodista pasa a ser el responsable político del diario "Noticias" que salía todas las mañanas desde el 20 de Noviembre de ese año y tiraba 130.000 ejemplares. Esa experiencia militante que compartían Miguel Bonasso, Rodolfo Walsh, Juan Gelman, Horacio Verbitsky, y el uruguayo Zelmar Michelini. A fines de Agosto de 1974, Isabel Perón clausuraría esa publicación. Poco antes, había sido también clausurado "El Mundo" otra expresión de prensa militante, aunque encarada desde otro ángulo político.
Como dato curioso, acotemos que la corresponsalía Rosario de El Mundo era compartida por Carlos Gabetta, hoy Director de la Edición Cono Sur de Le Monde Diplomatique y nuestro compañero Miguel Ferrari. El corresponsal de Noticias era el hoy Subsecretario de Derechos Humanos de la Provincia, Víctor Aliprandi. Ambas corresponsalías compartían fraternalmente el fotógrafo.
Para finalizar, leeremos un fragmento de MUCHAS GRACIAS, uno los últimos poemas de Paco Urondo, no sin antes agradecer a los compañeros de la Asociación Civil "El Periscopio" de Santa Fe, que nos han hecho llegar los materiales para componer este texto.
La suerte ha dejado aquí de andar fallando: se encendió la luz y pudo verse el caos, las flagrancias: esa manoallí, esta codicia; el miedo y otras mezquindades se pusieron en evidencia y el amor no aparecía por ninguna parte. Recompuestos de la sorpresa, rendidos ante los hechos, nadie pudo negar que en este país, en este continente, nos estamos todos muriendo de vergüenza. Aquí estoy perdiendo amigos, buscando viejos compañeros de armas, ganándome tardíamente la vida, queriendo respirar trozos de esperanzas, bocanadas de aliento; salir volando para no hacer agua, para ver toda la tierra y caer en sus brazos.
*Nota: "Momentos de memoria", columna de opinión emitida el sábado 4 de junio de 2005, en el programa "Hipótesis", LT8 Radio Rosario, Argentina.http://www.pparg.org/pparg/documentos/represion/categorias_sociales/_b/contentFiles/Francisco_Urondo-historia.pdf

sábado, 31 de março de 2012

Alejo Carpentier.....

Gosto de Alejo Carpentier, desde que recibi un livro de presente, ah..adoro isso, cuando o presente misterioso da vida, chega en a forma misteriosa de livro...La consgración de la primavera, e gostei de sua narrativa, gostei da forza colosal de a union entre arte e revoluçao.....tema tan preciado en os Andes profundos.......onde o taky ongoy, foi una sintesis, de un jeito de evoluir e revolucionar a traves da arte....... e gusto tambein,de algunas sacadas profundas e latinoamericanistas......de nosso mismo bairro.... como esta:
Llego a preguntarme a veces si las formas superiores de la emoción estética no consistirán, simplemente, en un supremo entendimiento de lo creado. Un día, los hombres descubrirán un alfabeto en los ojos de las calcedonias, en los pardos terciopelos de la falena, y entonces se sabrá con asombro que cada caracol manchado era, desde siempre, un poema.
"En América Latina, lo maravilloso se encuentra en vuelta de cada esquina, en el desorden, en lo pintoresco de nuestras ciudades... En nuestra naturaleza... Y también en nuestra historia." LUCIDOR
Carpentier, Alejo (1904-1980), novelista, ensayista y musicólogo cubano, que influyó notablemente en el desarrollo de la literatura latinoamericana, en particular a través de su estilo de escritura, que incorpora todas las dimensiones de la imaginación -sueños, mitos, magia y religión- en su idea de la realidad. Nació en La Habana el 26 de diciembre de 1904, hijo de un arquitecto francés y de una cubana de refinada educación. Estudió los primeros años en La Habana y a la edad de doce años, como la familia se trasladó a París durante unos años, asistió al liceo de Jeanson de Sailly, y se inició en los estudios musicales con su madre, desarrollando una intensa vocación musical. Ya de regreso a Cuba comenzó a estudiar arquitectura, pero no acabó la carrera. Empezó a trabajar como periodista y a participar en movimientos políticos de izquierda. Fue encarcelado y a su salida se exilió en Francia. Volvió a Cuba donde trabajó en la radio y llevó a cabo importantes investigaciones sobre la música popular cubana. Viajó por México y Haití donde se interesó por las revueltas de los esclavos del siglo XVIII. Marchó a vivir a Caracas en 1945 y no volvió a Cuba hasta 1958, año en el que se produjo el triunfo de la Revolución. Desempeñó diversos cargos diplomáticos, murió en 1980 en París, donde era embajador de Cuba. Carpentier recibió la influencia directa del surrealismo, y escribió para la revista Révolution surréaliste, por encargo expreso del poeta y crítico literario francés André Breton. Sin embargo, mantuvo una posición crítica respecto a la poco reflexiva aplicación de las teorías del surrealismo e intentó incorporar a toda su obra la maravilla, una forma de ver la realidad que, mantenía, era propia y exclusiva de América. Entre sus novelas cabe citar El reino de este mundo (1949), escrita tras un viaje a Haití, centrada en la revolución haitiana y el tirano del siglo XIX Henri Christophe, y Los pasos perdidos (1953), el diario ficticio de un músico cubano en el Amazonas, que trata de definir la relación real entre España y América siguiendo la conquista española. Se considera que es su obra maestra, un intento de llevar a cabo su idea de construir una novela que llegue más allá de la narración, que no sólo exprese su época sino que la interprete. Guerra del tiempo (1958) se centra en la violencia y en la naturaleza represiva del gobierno cubano durante la década de 1950. En 1962 publicó El siglo de las luces, en la que narra la vida de tres personajes arrastrados por el vendaval de la Revolución Francesa. Más que una novela histórica, o una novela de ideas es, en la interpretación de algunos críticos, una cabal novela filosófica. Concierto Barroco (1974) es una novela en la que expone sus visiones acerca de la mezcla de culturas en Hispanoamérica. Finalmente El recurso del método (1974) y La consagración de la primavera (1978), obras complementarias y difíciles; la primera suele "considerarse como la historia de la destrucción de un mundo", la caída del mito del hombre de orden, mientras que la segunda representa la larga crónica del triunfo en Cuba de un nuevo mito, que Carpentier trata de explicar desde su imposible papel de espectador: el autor trata de explicar el inconciliable desajuste entre el tiempo del hombre y el tiempo de la historia. A pesar de su corta producción narrativa, Carpentier está considerado como uno de los grandes escritores del siglo XX. Él fue el primer escritor latinoamericano que afirmó que Hispanoamérica era el barroco americano abriendo una vía literaria imaginativa y fantástica pero basado en la realidad americana, su historia y mitos. Su lenguaje rico, colorista y majestuoso está influido por los escritores españoles del Siglo de Oro y crea unos ambientes universales donde no le interesan los personajes concretos, ni profundizar en la psicología individual de sus personajes, sino que crea arquetipos -el villano, la víctima, el liberador- de una época.

quarta-feira, 15 de fevereiro de 2012

Poesia de Rabindranth Tagore

EL ÚLTIMO VIAJE

Sé que en la tarde de un día cualquiera
el sol me dirá su último adiós,
con su mano ya violeta,
desde el recodo de occidente.

Como siempre habré musitado una canción,
habré mirado una muchacha,
habré visto el cielo con nubes
a través del árbol que se asoma a mi ventana.

Los pastores tocarán sus flautas
a la sombra de las higueras,
los corderos triscarán en la verde ladera.
que cae suavemente hacía el río;
el humo subirá sobre la casa de mi vecino...

Y no sabré que es por última vez...

Pero te ruego, Señor: ¿podría saber antes de
abandonarla, por qué esta tierra me tuvo entre sus brazos?
Y, ¿qué me quiso decir la noche con sus estrellas?
Y mi corazón, ¿qué me quiso decir mi corazón?

Antes de partir, quiero demorarme un momento, con el pie
en el estribo, para acabar la melodía que vine a cantar.
¡Quiero que la lámpara esté encendida para ver tu rostro, Señor!
Y quiero un ramo de flores para llevártelo, Señor,
sencillamente. 



Rabindranth Togore, poeta, romancista, músico e dramaturgo, reformulou a literatura e a música bengali no final do século XIX e início do século XX. Como autor de Gitanjali e seus "versos profundamente sensíveis, frescos e belos", sendo o primeiro não-europeu a conquistar, em 1913, o Nobel e Literatura, Tagore foi talvez a figura literária mais importante da literatura bengali. Foi um destacado representante da cultura hindu, cuja influência e popularidade internacional talvez só poderia ser comparada com a de Gandhi, a quem Tagore chamou 'Mahatma' devido a sua profunda admiração por ele.
Um brâmane pirali de Calcutá, Tagore já escrevia poemas aos oito anos. Com a idade de dezesseis anos, publicou sua primeira poesia substancial sob o pseudônimo Bhanushingho ("Sun Lion") e escreveu seus primeiros contos e dramas em 1877. Tagore condenava a Índia britânica e apoiou sua independência. Seus esforços resistiram em seu vasto conjunto de regras e na instituição que ele fundou, Universidade Visva-Bharati.
Tagore modernizou a arte bengali desprezando as rígidas formas clássicas. Seus romances, histórias, canções, danças dramáticas e ensaios falavam sobre temas políticos e pessoais. Gitanjali (Ofertas de Música), Gora (Enfrentamento Justo) e Ghare-Baire ( A Casa e o Mundo) são suas mais conhecidas obras. Seus versos, contos e romances foram aclamados por seu lirismo, coloquialismo, naturalismo e contemplação. Tagore era talvez o único literato que escreveu hinos dos dois países: Bangladesh e Índia.
fonte: http://pt.wikipedia.org/

domingo, 12 de fevereiro de 2012

A poesia de Francis Jammes


Existe un considerable olvido de la vasta obra poética de Francis Jammes (1868-1938), poeta de provincias alejado del París flamboyant de las vanguardias; olvido que se antoja incomprensible si pensamos que su lírica fue admirada por autores de la talla de Mallarmé y Rilke. Arrojo, como al azar, una posible hipótesis para esa injusticia.

Jammes fue un poeta hondamente católico y si bien parece de buen gusto seguir estudiando a Santa Teresa, San Juan de la Cruz o el Dante porque su lejanía nos los exotiza, no así pasa con un autor que casi es de nuestros días – días del tan mentado triunfo del secularismo.

Ambientémonos. En la Francia –y en el mundo- de principios del XX, con los fracasos del positivismo y del liberalismo, ser católico era una forma de refugio contra un orbe que se tornaba incomprensible. La acogieron intelectuales como Claudel, Maritain, Papini, Guardini, Chesterton, Manuel Machado y un largo etcétera. Algunos fueron, naturalmente, representantes de lo más acérrimo de la derecha conservadora y huevos de la serpiente del fascismo.

No así Jammes, cuya fe deviene en contemplación de las maravillas cotidianas y campestres como si de insólitos milagros se tratasen. Poesía naïf, pero en el buen sentido, como cuando disfrutamos de los lienzos del Aduanero Rousseau o de nuestro Cándido López.

Los dulces versos de Jammes parecen estar siempre a punto de desbarrancarse en el abismo de la mojigatería o de lo cursi, pero se salvan porque sencillamente marchan con soltura y maestría por una comarca paradojalmente reacia a la poesía: el simple y llano territorio de la ternura.


Plegaria para ir al paraíso con los asnos

Cuando a ti deba partir, mi Dios, permite

que eso sea en un día polvoriento de fiesta

en los campos. Como otrora aquí abajo

elegir un camino para marchar, alegre

al sitio donde arden de día las estrellas.

Tomaré mi bastón y sobre el sendero grande

iré y les diré a los asnos, mis amigos:

Yo soy Francis Jammes, me voy al Paraíso,

porque no existe infierno en tierras del Buen Dios.

Y les diré: Venid, dulces amigos del cielo azul que amáis,

bestias queridas que movéis orejas

espantando los golpes, las abejas, las moscas…

Que yo ante Ti me venga, rodeado de esas bestias

que tanto amo porque agachan la cabeza

dulcemente y se paran juntando las patitas

de manera tan dulce que te inspiran piedad.

Arribaré seguido por sus miles de orejas,

seguido por sus flancos cargados de canastos,

por sus cuerpos que arrastran carros de saltimbanquis,

o carrozas de hierro blancuzco con plumajes;

por aquellos que cargan bidones abollados,

por asnas tan cargadas como lo son los machos,

por los que visten pequeños pantalones

disimulando heridas azules que supuran

y a cuyo alrededor se arremolinan moscas.

Señor, que ante Ti llegue con todos esos asnos.

Que nos conduzcan ángeles en paz hacia los ríos

donde crecen los yuyos y tiemblan las cerezas

tersas como risueña piel de niñas puras,

y mírame inclinado en la estancia de las almas,

a tus ojos divinos yo igualito a los asnos,

que verán su dulce y su humilde pobreza

en el espejo límpido del eterno amor.

www.youtube.com/watch?v=anwtJ9EOF-M&feature=related

segunda-feira, 26 de dezembro de 2011

Roque Dalton, Poeta e Revolucionário

"Roque Dalton hacía reír a las piedras. Venía de un país centroamericano y chiquito, que él llevaba tatuado en todo el cuerpo. Allí cayo acribillado a balazos. La poesía de Roque era como él, cariñosa, jodona y peleadora. En la cara y en la poesía de Roque, una guiñada se convertía en un puño en alto.
No precisamos de un minuto de silencio para escuchar su risa clara. Ella suena alto y siempre, matadora de la muerte, en las palabras que nos dejó para celebrar la alegría de creer y de darse" (http://daltonicos.tripod.com/).

Salve amados leitores, por indicação do maestro Lucidor fui pesquisar este poeta revolucionário, Roque Dalton, nascido em San Salvador, em 1935 e morto em 1975. Diz-se que foi um poeta salvadorenho, cujo trabalho, estilo de conversação e socialmente comprometida, foi um dos participantes na renovação da poesia norte-americana da década de 1960. Nascido no bairro popular de San José de San Salvador, o jovem Roque Dalton completou seus primeiros estudos em escolas religiosas Teresinha do Menino Jesus e João Batista, para entrar mais tarde no exterior do San José, onde em 1953 obteve o grau de bacharel.

Desentendimentos com os líderes de esquerda em seu país, em 1967 deixou o Partido Comunista e ficou afastado de suas políticas, até que, em 1973, ele voltou a El Salvador para se juntar às fileiras do Exército Revolucionário do Povo (ERP), onde assumiu o pseudónimo de guerrilha julho Delphi Marin. Depois de trabalhar ativamente apoiada nessa organização clandestina de confronto direto e luta armada, por razões obscuras que nunca foram esclarecidas foi perseguido, julgado e executado pelos seus próprios camaradas de armas, que deixaram seu corpo num lugar selvagem, onde foi devorado por animais selvagens. A execução provocou protestos violentos nos meios inteletuais, especialmente
entre os escritores latino-americanos (fonte: http://anibaljosematos.blogspot.com/2011/09/roque-dalton.html)

 

Pobre lenguaje.

 Por Roque Dalton

Mi país es el mundo pero el mundo
está que jode loco de sordera
funeral agorero como un golpe
una pedrada en vez de desayuno
San Pablo era más héroe que yo
somos antiguos panes vanidosos
peregrinos de una misma torre
supuran ya los tragos que tomé
Amo rebelde de una orquesta de agua suculento
desastre que retoña en las barbas de Dios trueno
capaz de toda palabra menos de la incredulidad.

Un libro levemente odioso
UCA Editores 1993 Tercera Edición.

terça-feira, 29 de novembro de 2011

Pachamama Verde


Salve amantes das artes!

Compartilho com vocês uma fotinho que tirei hoje desta escultura verde que fica no campus universitário aqui em minha cidade.
Não a havia visto ainda e quando o olho levou a imagem para o cérebro.... plim, me pareceu Pachamama, uma mãezinha verde, uma maneira de Pachamama falar comigo e agora com vocês...
Não é formosa?
Com amor
Nuit

segunda-feira, 28 de novembro de 2011

Ave Maria!

Amados leitores, hoje trago para vocês o compositor Franz Peter Schubert, nascido em Viena em 1797 e morto 1828,  um compositor austríaco do fim da era clássica, com um estilo marcante, inovador e poético do romanticismo. Escreveu cerca de seiscentas canções (o "lied" alemão), bem como óperas e sinfonias.
Não houve grande reconhecimento público da sua obra durante sua curta vida; teve sempre dificuldade em assegurar um emprego permanente, vivendo muitas vezes à custa de amigos e do trabalho que o pai lhe dava. Morreu sem quaisquer recursos financeiros com a idade de 31 anos. Hoje, o seu estilo considerado por muitos como imaginativo, lírico e melódico, fá-lo ser considerado um dos maiores compositores do século XIX, marcando a passagem do estilo clássico para o romântico. Podemos defini-lo como "mais um artista incompreendido pelos seus contemporâneos".
Uma das suas obras primas que escolhi para vocês é a linda e conhecida Ave Maria.... Ah... puro deleite.
fonte: Wikipédia

http://www.youtube.com/watch?NR=1&v=2bosouX_d8Y

Abaixo segue também a tradução para o português.

                                                                         Ave Maria
Ave Maria! Jungfrau mild,
Ave Maria, Doce Virgem,
Erhöre einer Jungfrau Flehen,
atende o rogo de uma donzela que te implora;
Aus diesem Felsen starr und wild
desta rocha abrupta e selvagem
Soll mein Gebet zu dir hin wehen.
minha oração eleva-se para ti.
Wir schlafen sicher bis zum Morgen,
Faz com que possamos dormir seguros até a aurora,
Ob Menschen noch so grausam sind.
apesar da crueldade dos homens.
O Jungfrau, sieh der Jungfrau Sorgen,
Ó, Virgem, olha as penas desta donzela,
O Mutter, hör ein bittend Kind!
ó mãe, escuta esta jovem suplicante!
Ave Maria!
Ave Maria!
Ave Maria! Unbeflekt!
Ave Maria! Virgem imaculada!
Wenn wir auf diesen Fels hinsinken
Quando nesta rocha devamos adormecer
Zum Schlaf, und uns dein Schutz bedeckt,
e nos cubra teu manto protetor,
Wir weich der harte Fels uns dünken.
parecer-nos-á suave a sua dureza.
Du lächelst, Rosendüfte wehen
Quando sorris, aromas de rosas
In dieser dumpfen Felsenkluft.
perfumam esta áspera paragem.
O Mutter, höre Kindes Flehen,
Ó mãe, escuta a súplica desta jovem!
O Jungfrau, eine Jungfrau ruft!
Ó Virgem, uma donzela te implora!
Ave Maria!
Ave Maria!
Ave Maria! Reine Magd!
Ave Maria, Virgem pura!
Der Erde und der Luft Dämonem,
Os demônios da terra e do ar
Von deines Auges Huld verjagt,
presos pela nobreza do teu olhar,
Sie können hier nicht bei uns wohnen.
não podem alojar-se junto a nós.
Wir wolln uns still dem Schicksal beugen,
Nós curvamo-nos docilmente ao destino
Da uns dein heilger Trost anweht;
já que tu nos envias teu santo consolo.
Der Jungfrau wolle hold dich neigen,
Escuta, Virgem, a humilde oração
Dem Kind, das für den Vater fleht!
desta donzela que te implora por um pai!
Ave Maria!
Ave Maria!

quinta-feira, 17 de novembro de 2011

Richard Wagner


Olá amados, seguindo nosso passeio pela música clássica, trago-lhes hoje um pouquinho de
Wilhelm Richard Wagner, (Leipzig, 1813 - Veneza, 1883) foi um maestro, compositor, diretor de teatro e ensaista alemão, primeiramente conhecido por suas óperas (ou "dramas musicais", como ele posteriormente chamou).
Notável compositor, Wagner deixou as óperas como seu principal legado artístico. Através de suas óperas e ensaios, Wagner defendeu uma nova forma de ópera, o "drama musical", em que todos os elementos musicais e dramáticos são fundidos. Diferente de outros compositores de ópera de até então, que geralmente delegavam a tarefa da escrita do libreto, Wagner era responsável pelos seus, os quais eram referidos como "poemas". Wagner também desenvolveu um estilo de composição em que o papel da orquestra é igual ao dos cantores.

Wagner representou para a cultura alemà do século XIX o mesmo que Verdi representou para a cultura italiana: uma espécie de ícone cultural, e aglutinador da identidade nacional quando o país ainda estava em formação.

Wagner contribuiu significativamente para a arte e a cultura. Durante sua vida, o compositor inspirou devoção entre seus seguidores, gerando também um grupo de opositores. O compositor também contribuiu para os princípios e a prática da regência. Na área de óperas, Wagner realizou significativas mudanças nas condições de apresentação. Ele foi o primeiro a idealizar a diminuição das luzes do palco durante cenas dramáticas, e foi em seu teatro de ópera de Bayreuth onde se fez o uso da orquestra rebaixada pela primeira vez.

Wagner tambem se notabilizou por ser um revolucionário, e por conta isto foi exilado de seu país natal no período de 1849 a 1860.
Vale a pena pesquisar a vida e obra deste notável compositor.

Deixo uma sugestão, a obra
Siegfried Funeral March (HD), uma vibrante obra:

Um bom espetáculo!
Com carinho
Nuit Sandoval

quinta-feira, 10 de novembro de 2011

Uma Passeio pela Música Clássica

Olá amados, ando numa fase em que tenho me deleitado com a música clássica. Ah, a música...
Nos ensina Maestro Lucidor que a música nos foi presenteada por Pachamama para elevar a vibração, e quem já não observou seu estado íntimo mudar depois ouvir uma boa música?
Contudo, este tema, música, como todo o resto, vem sendo banalizada e pasmo ao observar que nossos jovens escutam umas músicas de baixa vibração, nem sei se poderíamos chamar "aquilo" que escutam de música. É curioso observar como, nesta época, a música se tornou acessível a todos, o que é muito bom, mas na mesma proporção a qualidade das músicas vem declinando, o que nem preciso comentar, não é?
A música já teve seu apogeu, como o período clássico, em que verdadeiras obras primas foram compostas, de modo que se trasnformaram em patrimônio da humanidade. É com esta intenção, de escutarmos música com alta vibração, que proponho que iniciemos uma volta pela música clássica, conhecendo um pouco desta arte em forma de melodias.
Podiamos começar pela música de Wolfgang Amadeus Mozart, que foi um compositor austríaco do periodo clássico, e sua obra é maravilhosa...
"Sabe-se que Mozart entendia o processo de composição como uma atividade consciente, que devia ser empreendida com um propósito definido e de acordo com uma necessidade específica. Devaneios à espera de inspiração, ou um entendimento da inspiração como uma força externa, não tinham lugar no seu método. Contudo, isso não excluía a fantasia, nem impedia que seus sentimentos excercessem influência em seu trabalho. Seus contemporâneos não conheceram seus procedimentos de composição, sabiam apenas que ele compunha muito e rápido. Criou-se porém um folclore, a partir de seus grandes dotes como improvisador e de algumas observações esparsas que ele mesmo fez, de que ele escrevia de forma instintiva, ou de que as músicas lhe vinham prontas à mente e depois apenas as transcrevia mecanicamente à partitura, sem necessidade de correções, ou que compusesse sem qualquer ajuda de instrumentos, mas essa percepção, confrontada com um grande corpo de outras evidências contrárias, em grande parte não sobrevive. É certo, por outro lado, que ele possuía uma memória e capacidades intelectuais prodigiosas. Em uma carta afirmou que elaborava uma composição mentalmente enquanto escrevia outra já pronta no papel, mas em outras deu detalhes a respeito de meditações prolongadas planejando obras, e de seu esforço considerável até que elas resultassem a contento. Seu estado de consciência agudamente ativo quando se tratava de música é relatado em carta a seu pai, dizendo que pensava em música todo o dia, e que gostava de experimentar, estudar e refletir...". (fonte: Wikipédia).

Comecemos com uma obra linda,  o 1º andamento, o Molto Allegro, da Sinfonia no. 40.

http://www.youtube.com/watch?v=BeJI9weVxTM&noredirect=1

Com deleite,
Nuit Sandoval